Творец любимого театра

В этом месяце исполнилось 125 лет со дня рождения одного из самых ярких деятелей русского советского театра Юрия Завадского. По этому случаю в стенах Театра имени Моссовета открылась грандиозная выставка.

Юрий Завадский возглавлял Театр имени Моссовета на протяжении 37 лет, сформировав его творческое лицо, собрав уникальную по разнообразию и масштабу актерских индивидуальностей труппу. Он сделал этот театр одним из самых известных и любимых зрителем в Москве.

— На выставке представлены уникальные фотографии из архива театра, отражающие все этапы творчества Завадского, и в первую очередь годы работы в Театре имени Моссовета, — рассказала пресс-атташе театра Татьяна Горина.

Редкие фотопортреты самого мастера, фотографии спектаклей, репетиций, ярких жизненных моментов, запечатлевшие Завадского в кругу артистов театра, представляют актера рядом с Верой Марецкой, Николаем Мордвиновым, Фаиной Раневской, Любовью Орловой, Ростиславом Пляттом, Ией Саввиной, Георгием Жженовым, в обществе знаменитых соотечественников — космонавтов, писателей, драматургов и деятелей театра и кино: Жана-Поля Сартра, Пола Скофилда, Жана Маре.

Любопытно, что Юрий Завадский происходит из старого дворянского рода. Учился он в Московском университете, а в 1915 году поступил в Студию Евгения Вахтангова, которая с 1920 года стала именоваться 3-й студией МХАТа. Там артист работал до 1924 года, сыграл Антония в спектакле по пьесе Метерлинка «Чудо святого Антония», в котором выступил еще и как сценограф, Калафа в знаменитой «Принцессе Турандот» Гоцци. А уже в 1922 году вошел в члены художественного совета студии, избранного актерами после смерти Вахтангова. От своего учителя Вахтангова Завадский воспринял изящество и строгую четкость внешнего рисунка роли, одухотворенность и внутреннюю наполненность исполнения, оказавшие влияние на все его дальнейшее творчество.

Как режиссер Завадский дебютировал в 1924 году спектаклем «Женитьба» Гоголя. Поработал Юрий Александрович и во МХАТе, и в Центральном театре красной Армии, которым руководил несколько лет, и в Театре им. М. Горького в Ростове-на-Дону.

В последний, кстати, за своим учителем отправились многие его ученики — Марецкая, Мордвинов, Плятт...

А в Москву он вернулся накануне Великой Отечественной войны, был назначен главным режиссером Театра имени Моссовета. Этот пост Завадский занимал вплоть до своего ухода из жизни в 1977-м, на многие годы вперед определив художественную направленность театра.

Одной из заслуг Юрия Завадского является то, что, воспитавший не одно поколение артистов, он создал свою актерскую школу, особенностями которой являются легкость перевоплощения и широкий диапазон художественной палитры. А еще он собрал под крышей Театра имени Моссовета уникальную по разнообразию актерских индивидуальностей и творческому потенциалу труппу.

Благодаря Завадскому зрители увидели на моссоветовской сцене спектакли «Трактирщица», «Машенька», «Отелло», «Госпожа министерша» , «Маскарад», «Виндзорские насмешницы». «Петербургские сновидения» по роману Ф. Достоевского «Преступление и наказание» в 1969-м стал практически «лебединой песней» мастера.

Умер он 5 апреля 1977 года. В последний путь на Ваганьковском кладбище его провожали близкие, друзья, коллеги, зрители.

Дух Завадского живет в театральных стенах и поныне, и поклонники Театра имени Моссовета это хорошо ощущают в каждой новой постановке театра.

Спектакли столичного «летнего сезона», которые стоит посмотреть

«НЕ ВСЕ КОТУ МАСЛЕНИЦА», ПРЕМЬЕРА

Театр имени Моссовета, реж. Виктор Шамиров Тщательная, дотошная режиссура одноименной пьесы Александра Островского без стихийных импровизаций и актерских штампов. Спектакль на вечную тему мезальянса — дань памяти великому драматургу и чествование актера Евгения Стеблова в день его 70-летия.

«ДОН КИХОТ», БАЛЕТ

В рамках «Летних балетных сезонов», Театр РАМТ Темпераментный, яркий балет на музыку Людвига Минкуса наполнен пламенными танцами и мало похож на роман Сервантеса. Это единственный из старинных классических балетов, родившихся в Большом театре: здесь его поставил в 1869 году Мариус Петипа.

«ПЕНЕЛОПА НА ВСЕ ВРЕМЕНА»

Театр «Сфера», реж. Олег Алексеенко Главная тема — возможно ли сохранить любовь мужчины и женщины и можно ли это сделать без обмана, компромиссов и измен? В спектакле звучит романс А. Вертинского «Ты успокой меня» (партия гитары — А. Марченко), музыка из произведений А. Делиба, К. Орфа, И. Штрауса.

«РЕТРО»

Театр на Малой Бронной, пост. Юрий Иоффе Смешная и трогательная комедия о стариках, выброшенных за борт современной жизни. Они живут рядом, но остались чувствами в том времени, когда были моложе и счастливее. Постановка напоминает любимые советские фильмы, но она — о дне сегодняшнем.

МНЕНИЕ

Александр Вилькин

 Художественный руководитель театрального центра «Вишневый сад»

Я принадлежу к тем режиссерам, у которых классика — в большой чести.

Фамилии Островского, Чехова, Тургенева и других великих русских писателей не сходят с нашей афиши. Когда меня спрашивают, почему я с таким трепетом отношусь к классике, к тому же Гоголю, я обычно вспоминаю старый анекдот о композиторе: в 20 лет тот думает, что он и есть единственный композитор в мире.

В 30 — что есть два композитора, он и Моцарт. В 50 понимает, что композиторы — Моцарт и он. Ну а в 70 приходит к твердому убеждению, что есть только Моцарт.

Многие молодые режиссеры в свои 25 озабочены тем, как в работе с классикой продемонстрировать свое видение.

В 30 начинают понимать, что есть «я и Гоголь», в 50 последовательность имен меняется.

Ну, а в моем возрасте (25 июля Вилькин отметит 76-летие. — «МЦ») становится понятно, что «есть только Гоголь».

Наш новый сезон мы откроем 14 сентября премьерным спектаклем «Женитьба». Откровенно говоря, я доволен постановкой, тем, как существуют в ней актеры (а я не часто вижу это в современном театре). В «Женитьбе» есть тема неустроенности, одиночества, желания найти тепло в любви, уважении, нежности, попытке понять друг друга.

А это сегодня очень важно. А еще в нашей «Женитьбе» нет режиссерских амбиций.

Там все чрезвычайно просто и умно, и становится ясно, что обо всех этих вещах надо думать и говорить. Потому что часто за комедийной формой теряется и тонет внутренняя боль самого Гоголя, внутреннее ощущение о том, чем люди живы.